MEMOIRE VIVE

Autour des trous

2012-02-08T12:23:00.001+01:00

Jean Atlan,non identifié, 1951

Une petite série d'oeuvres, découvertes ces dernières semaines pour la pluplart (lors d'expos, dans des catalogues, magazines ou sur le net), et réunies de façon intuitives, entre tendances très contemporaines et travail, non pas sur le geste expressif, mais sur la fluidité, l'arabesque, les changements de plans, le plan qui se gondole, les morceaux qui s'aplatissent, les trous, entre autres sujets ...

Lamarche/Ovize, Portraits d’artistes, l’oreille, 2011, techniques diverses sur papier, 40 x 50 cm

Mark Manders, Still Life with Interconnected Holes, 2006 matériaux divers

Jean Atlan, paysage perpétuel, 1945

Helen Chadwick, meat abstract#2, 1989

Janaina Tschäpe, photographie vue dans l'exposition Dream particules, 2011, Carlier Gebauer, Berlin

Charline Van Heyl, Igitur, 2008, 208 x 198 cm

Paul Schamberg, machine forms, 1916

Elizabeth Murray, careless love, 1995-96

Sarah Tritz, le totem, 2010, (détail)

Tony Oursler, crystal suspension cave, 2009

Alain Séchas, sans titre 17, 2010, 185 x 115 cm

Matthew Stone, oeuvre non identifiée (photographie) présentée dans l'exposition Optimism as cultural rebellion, New York

Helen Chadwick, meat abstract, 1989

Lesley Vance, Untitled (14), 2009, 40.6 x 30.5 cm

Joseph Montgomery, Image One Hundred Twenty-Seven, 2009–2011, matériaux divers

Enrico Prampolini, état d'âme plastique marin, 32 x 41 cm , 1937

Joseph Montgomery, image one hundred nineteen, 2011, aluminium, toile, carton, platre et peinture à l'huile sur papier, 25 x 29 x 7 cm

Eugene Von Brunenchenhein

2012-02-07T13:03:00.024+01:00

J’ai découvert il y a quelques jours sur le net en cherchant tout autre chose, cet artiste américain, né en 1910 et mort en 1983. Il fait partie de l’outsider art, pas du coté, fou/handicapé, mais comme autodidacte : n’ayant pas exposé de son vivant, faisant les choses en cercle clos, mais avec énormément d’engagement et de cohérence : un moderne malgré lui. Produisant des peintures abstraites, photographies de studio (des nus de sa femme Marie) et petites sculptures faites d’ossements de poulets (années 70) et quelques céramiques. Vus sous un œil contemporains, les 3 médiums et types de productions mises en relation s’électrisent et stimulent l’imaginaire et l’attention aux formes, alors que isolément, sans doute moins. Mais justement, cet artiste fait aussi écho à d’autres manières de faire de l’art, de se penser soi dans la vie, de penser la production dans la vie, son économie (sexuelle et financière), mais aussi le rapport à l’intime, aux formes, à l’histoire de l’art. Bref de bousculer un peu l’image qu’on a de soi même quand on regarde ce qu’on fait comme art et de l’assumer sans l’orthonormer pour rentrer dans les clous du contemporain : comme Nauman, Tuttle, Thek, Conner, Kelley, Rondinone l’ont fait pour nous, un peu plus tard que Bruenchenhein ou Klee un peu avant. Il a été exposé par Szeemann lors de la Biennale de Lyon 1997.

Pour résumer, il a toujours beaucoup écrit (de la poésie), s’est intéressé à l’horticulture (voir ses formes qui évoquent Blake, Ernst ou Matta), il crée des années 40 (photos et céramiques) aux années 70. Il sera boulanger pour vivre. Sa peinture date des années 50 (vision psychédéliques et nucléaires) s’arrête puis reprend dans les années 70 avec des architectures utopiques. Il peignait à plat sur une table, le soir ou la nuit, sous éclairage électrique donc. D’abord avec des pinceaux puis rapidement avec ses doigts et divers outils de boulangerie qui lui permettait de gratter, frotter, peigner, étaler les pigments.

Je renvoie sur le site officiel, qui met à disposition des scans 300dpi de ses peintures, des images et des infos avec générosité, ou bien, le site d’une galerie qui le représente.

Digestion

2012-02-03T08:36:00.030+01:00

Marina Pinsky, oeuvre non identifiée (photographie) présentée dans l'exposition Department of water & power, 2011

Une collecte intuitive de découvertes récentes avec des échos plus anciens, autour de la nature morte, encore et toujours, en focalisant sur sa construction/composition : sa recette. Ou comment organiser la rencontre entre divers natures et divers moments de la matières : état de transit, digestion, assimilation (ou pas) ...

Margaret Lee & Michele Abeles, non identifié

Corin Hewitt, photographie non identifiée

Carole Bove, nut in a shell, 2010 (bronze ?)

Sarah Lucas, au naturel, 1994, matelas, seau, melon, oranges, concombres, 84 x 168 x 145 cm

Ida Ekblad, détail de l'installation à la Bonniers Konsthall, 2010, objet divers dans béton coloré.

Corin Hewitt, The Grey Flame and the Brown Light, 2010, performance (en voir plus en vidéo)

Sarah Tritz et Maxime Thieffine, Soleil froissé, 2011, Encre et pigment sur plâtre, crochets, impression jet d'encre sur papier mat, colle. 40 x 30 x 3 cm

Helen Chadwick, meat abstract #2, 1989 photographie

Marina Pinsky, untitled, de la série Department of water & power, 2010(?)

David Renggli, perspektiven, 2002, photographie

Edward Wadsworth, composition on pink ground, date inconnue

Georges Rohner, pipe, boule et livres, 1981

Cheyney Thompson, CT-C4, 2003, acrylique sur organza

Ryan McLaughlin, monti collage, 2010, huile sur contreplaqué, 43 x 50 cm

Marina Pinksy, non identifié

Julien Pastor, Figure à trou (roy), vue de l'exposition Milieux Fossiles (Avec Marie Preston) à la galerie époque(s), 2011

Best of 2011 - Expos

2012-01-31T11:18:00.052+01:00

Monnaie de nécessité, Clément Rodzielski chez Crousel, la Douane, Paris

L’artiste fait d’une potentielle vexation (première expo perso dans les réserves de la galerie) un statement d’une rigueur et d’une malice rare. Attendu au tournant après avoir écumer tous les lieux et expos collectives « qui comptent » ces dernières années, il propose une réflexion en acte, lucide, sur sa propre valeur marchande, sa place dans cette galerie, dans ce lieu et sur ce mur et à ce moment-là de notre époque et pays et de sa vie à lui je suppose. Il affronte le mur, quoi mettre sur un mur, sur ce mur, à quelle taille, de quel format, dans quel médium, pourquoi et comment... Comment justement : sans discours, ni référence ni connivence culturelle, ni mots de passes pour se mettre l’intelligence du spectateur dans la poche : au contraire, il expose la force énigmatique de formes, nues, muettes, colorées, spatiales, complexes, varies et nettes. Manuelles ET informatiques, picturales ET processuelles. Pas d’esquive : une expérience est proposée au spectateur : avancer, longer ce mur, choisir son point d’entrée, aléatoire, au feeling, regarder à l’échelle que l’on veut (des impressions A4) ou une fresque projective qui s’étire à l’infini. L’art de montrer que le travail ne fait que croiser un support physique et marchandisable, qu’il continue bien au-delà, qu’une œuvre est juste une coordonnée topographique (x, y) où se dépose quelque chose qui bouge et se transforme en continue : aucune tentation conceptuelle, souvent prétexte à fénéanter et à abandonner l’exigence des formes. J’ai été interloqué comme rarement dans une expo, perdu, muet et donc ultra stimulé et richement récompensé. Il s’agisait de faire l’expérience de l’œuvre tout bêtement. Ca ne se voit sans doute pas sur les images, mais cette expo ne ressemble à rien de connu, précisément.

Any Ever, Ryan Trecartin & Lizzie Fitch au Musée d’art moderne de la ville de Paris

Je renvoie sur le post dédié à l'expo

Dominique Figarella & Sarah Tritz à Lieu commun, Toulouse

Une rencontre inattendue organisée par Manuel Pomar qui dirige Lieu Commun à Toulouse : un imaginaire pictural, où d’innombrables liens, traits de couleurs, reflets de surfaces, échelles multiples, emboitements à distance, échos de figures, zooms imaginaires, le tout dans ce cadre hyper panoramique au plafond bas. Cadres et épaisseurs verticales ET horizontales, basculées, grouillements de pigments et coulées coagulées, se répondent dans une image globale hyper physique et corporelle mais lyrique et aérée, accueillante. On a rarement l’occasion de voir une exposition aussi dense et généreuse en formes, figures et gestes, complexes, opaques mais clairement visibles. qui donne mais qui ne s’épuise pas. Une exposition sans programme ni thème ni discours ni sujet ni référence où je ne sais quoi de pertinent sur le monde ou l’intelligence des artistes. Juste la prise de risque d’accepter les formes, d’agir pour les faire et les montrer, de dire que vivre c’est être le corps trempé dans tout ça, que vivre une vie, unique, qui n’a jamais exister auparavant, produit donc logiquement des formes inédites, post-modernes oui, mais pas cyniques. En voir plus ici.

Albert Oehlen, paintings 2004-2005, Galerie Max Hetzler, Berlin

Vue in extremis, espace immense, force de peintures, humblement simplement peintures qui réussissent à irradier et à emplir l’espace sans étouffer ni saturer, ni fatiguer le spectateur. On peut rester très très longtemps devant chaque toile sans s‘ennuyer (qui fait des oeuvres qui prennent du temps à voir actuellement ?) : un trait qui se continue d’une toile à l’autre, des jeux de processus stratifiés et spatialisés, des toiles basculées, pivotées pour l’accrochage, des citations, du geste, de la couleur, toujours de la présence, de la joie de faire. Un classique contemporain. Voir le post dédié.

Nice to be dead, Henri Barande, proposition de Eric Corne à l’ENSBA, Paris

Découverte d’un peintre hors circuit classique contemporain, Henri Barande, la soixantaine, qui a fait fortune et peint pour l'amour de l'art, qui a exposé 20 toiles immenses, œuvres autonomes installées ici spécifiquement en diptyques, triptyques, dans 3 salles : des zooms intenses, des trames folles, des figures précises, une force mythologique qui se dévoile progressivement, une vision intense, mais pop/lisse, une célébration de notre capacité à VOIR et à faire du montage, à voir ENTRE les oeuvres. Une expo haute tenue (l’impression tout à coup d’être en Suisse, ou en Allemagne), juste de l’art, pas de blabla. Peut être un brin trop clean/clinique.

Impulse Strategies, Mike Bouchet chez les Vallois, Paris

De superbes peintures réalistes de détails enflés de notre monde, des assemblages de poils et de métal, une vidéo centrale étonnamment bien installée, de la moquette marron sur les murs et un ensemble hyper actifs en liens formels et déploiement imaginaire. Et de l’humour. Il a un coté petit malin mais généreux et suffisament précis dans son étrangeté. Envie de voir ça plus souvent.

Joëlle Tuerlinckx , Geologie einer Arbeit. New and Old Paper-Assemblage in einer Kurzen Orangen Retrospektive, Galerie Nagel Berlin

Première expo dans sa nouvelle galerie, l’artiste belge trop peu vue en France, joue avec la vitrine, tapisse l’espace d’une image de briques tramées sur papier orange fluo. Travaux en cours. Il y a à voir dans tous les axes de l’espace (surtout au sol, pour mon grand plaisir), à toutes les échelles, beaucoup d’humour et de gestes différents, un régal. Seul bémol, le mur de photocopies de documents/encyclopédies noir et blancs : le cliché de notre art de ces dernières années… Voir le post avec mes images ici.

Stranger by Green, Yann Gerstberger à 40 m3, Rennes

Un passage rapide à Rennes, le plaisir des assemblages d’objets trouvés, de la couleur, de multiples trouvailles formelles, d’un appétit des formes du monde (digéré selon un imaginaire de l’art folklorique extra occidental, pop tiers-mondiste), un univers très Rachel Harrison/Sarah Tritz, comme David Douard aussi. Des formes abstraites, des figures, des objets et des surfaces, de la lumière et des couleurs, plaisir de la main et de l’œil à dialoguer, plein d’idées dans chaque œuvre, ce qui nous change de ces artistes qui n’ont une seule idée par carrière. Seul hic, ce titre en anglais …

Phantom, Douglas Gordon chez Yvon Lambert, Paris

Une expo schizo : d’un coté, une mise en scène sophistiquée et hantée de l’image et du spectaculaire avec la projection autour de l’œil de Rufus Wainwright, de l’autre, la première salle aux murs saturés de photographies superbes, un homme vie dans et avec les formes au quotidien et le montre : ce qui se répond entre les deux : l’image du caméléon/ du serpent, le corps à écailles qui mute sans cesse, jouissif... Intéressant aussi de voir quelqu'un de sa génération se tourner vers un art plus humble et classique et moins dans le coup de force théorique.

Neil Beloufa chez Balice Hertling, Paris

Ses vidéos installées, ces jeux d’écrans, d’images architecturées et texturées m’ont réjoui et fait sentir moins seul, avec ses échos à ma Danaé.

Milieux fossiles, Julien Pastor & Marie Preston à la Galerie époque(s)

Une expo entre amis et merveilles de la rencontre entre les deux artistes ET le lieu : une galerie d’antiquités modernes : des œuvres mêlées aux objets en vente à ce moment là, un rève de collectionneur : regard exacerbé qui met en valeur l’espace, les œuvres et le fond : un rapport aux formes enfouies, à la crystallisation, aux bijoux géologiques, à l’anthropomorphisme …

Le tombeau d'Archimède, Raphaël Zarka au grand café à Saint Nazaire

Electricité des formes aux échos et convolutions multiples : physiques, archaïques et ludiques, amusantes : ça grince, ca plie, ça s'emboite, se découpe... pas un tombeau, une renaissance.

et Polyphonies, Paul Klee à la Cité de la musique une scénographie et un thème banals mais des choix et présences d’œuvres extraordinaires, inévitablement)

Si ce petit best of sert surtout pour me rappeler là où il faut regarder, il faut dire que j’ai raté pas mal de choses que j’aurai beaucoup aimé voir : l’exposition Sciences et curiosités à la Cour de Versailles, au Château de Versailles, American prayer, Richard Prince à la BNF, Diane Arbus au jeu de paume (mais j'avais vu celle au V&A Museum en 2007), Beauté, morale et volupté dans l'Angleterre d'Oscar Wilde au Musée D’Orsay ni Postmodernism: Style and Subversion 1970-1990 au V&A à Londres, dommage …

Best of POP 2011

2012-01-30T11:02:00.027+01:00

Stay + : stay positive

Le moment fort de l'année pour moi, j'écoute ce titre depuis 6 mois sans arrêt (voir le post) Ce groupe anciennement baptisé Christian AIDS et renommé Stay +/Stay Positive, explore les traces mnésiques et auditives d'une nuit dans un club au son de la rave du début des 90's. Fascinant, méchant, glorieux, hystérique, cataclysmique. Je m'identifie à 100% à cette musique qui réunit tout ce que j'aimais dans les effets sur les voix et réverb chez Slowdive + le son de Underworld, de la techno/trance d'alors.

Rainbow Arabia : without you

Un groupe/couple déjà évoqué en 2009 ici même, nouveau titre plus Siouxsie que jamais, mais sous une production pop synthétique spatiale et variée proche du meilleur Depeche Mode..

New Look : the ballad + (koreless remix)

Autre couple pour une balade bluesy qui évoquerait Portishead mais passé au filtre métallique et froid du dubstep (le remix de Koreless), sans rythmes, qui résonne au travers d'espace immenses, intérieurs, intenses. Langoureux et cruel.

Protect U : U-uno
Deux garçons de Washington, bidouilleurs très groovy de house classique, cru 86-88, du rétro du meilleur tonneau.

Elbow : the night will always win
Le genre de groupe pas sexy, songwriter sérieux, sans images et aux pochettes, clips et look moche ou banal, bref pour les plus de 40 ans, mais une superbe chanson.

Austra : the choke

Une voix tendance (Florence & the Machine, Marina & the diamonds, c'est à dire Siouxsie & the Banshees), un tempo dur de pop synthétique 80s et une mélodie lyrique et glaçante, limite larmoyante. Un classique.

S.C.U.M. : Whitechapel
Un nom et un look "cool", de jeunes anglais, reprenant le filon Echo & the Bunnymen/ pop gothique et voix caverneuse, mais avec glamour (réverb) et groove (tendance happy mondays sur ce titre en tout cas). Simple mais ça vous reste dans la tête toute la journée. Le reste est du packaging propre et chic rétro 60s (arty : clip réalisé par des YBA), poses à la Morrissey/Brett Anderson etc... dont il ne restera plus rien bientot, mais qu'importe.

The Sound of Arrows : wonders
Un couple gay scandinave, gentillets et lisses, mais de superbes mélodies parfaites pout toute la famille, dans un monde normal et gentil, ce serait numéro 1 : les enfants d'abba, de pet shop boys et d'erasure...

John Maus : believer
Un crooner gay lo-fi qui se prend pour un chanteur de dark métal accompagné par OMD, une sorte de Ariel Pink synthétique.

Gauntlet Hair : top bunk

Si Pavement avait écouté Happy Mondays des débuts : psychédélique, tordu, chromatique et viscéral. Un des rares groupes à guitares que je supporte encore.

Phantogram : don't move
Groupe moyen (un autre couple encore) et trop suiveur (entre Miike Snow et Vampire Weekend) mais une chanson dont ne ne se lasse pas, alchimie réussie pour moi eentre tempo dance/voix et mélodie à fredonner et production sophistiquée.

Holy Ghost : I wanted to tell her
Au départ ça sonne creux et cheap, et ça sent la blague (reprendre un titre obscure du groupe industriel Ministry quand ils faisaient de la pop synthétique, entre Bronski Beat et Scritti Politti) mais tout dans ce bijoux de contrefaçon funk blanc 80's séduit, honteux mais très chic et irrésistible. Pour les fans de DFA , Hercules & Love Affair et Miracles Club.

Grails : I led three lives

Ce qu'il reste pour moi du rock, tendance Spiritualized/Black Sabbath, sombre et lancinant, mais assez vaporeux, ambient et hi-tech (panoramique) pour ne pas être trop beauf, donc vraiment menaçant et ardent.

Memory Tapes : Yes i Know

Déjà présent en 2009 dans ce classement, je suis un grand fan de ce son unique, plat, clinquant et discret, plein de suprises et de bifurcations sans être baroque fatiguant, une ré invention de ce qu'aurait pu devenir New Order : des mélopées aux claviers, à la fois hyper joyeuses (enfantines) et des mots et couleurs mélancoliques très british 80s. Un songwriter solide désormais. et un clip fascinant, très Henry Moore

Future Islands : before the bridge

Comme si Frank Black des Pixies était accompagné par New Order, ou Pere Ubu version dance. Je n'aime que cette chanson d'eux, mais c'est de la pop mainstream/adulte très digne.

Boy friend : lazy hunter

Un groupe parmi tant d'autres, dans la vague actuelle de chansons timides et vaporeuses, du shoegaze synthétique (glo-fi ou chillwave), entre Saint-Etienne, Cocteau Twins et Fieldmice. Bouleversant.

Cold Cave : the great pan is dead
Une sorte de powerpop très fin des 80s' (pensons à Jesus Jones ou Carter USM), guitares hyper compressés et synthétiques, chant caverneux, posture de travelo glamour noir (pour JL Verna) et mélodie tubesque, lyrique, euphorique, violente et désabusée...

Au milieu des objets

2012-01-09T10:36:00.000+01:00

Suite d'un premier post en 2010 intitulé l'homme qui rétrécit

Giorgio de Chirico, théière argenté et gateau, non daté

Giorgio de Chirico, nature morte avec argentrie, 1962

Giorgio de Chirico dans son atelier 1949

Piat Joseph Sauvage, Une table garnie d'un tapis de Turquie, fin 18e

Felix Vallotton, Still Life with Flowers, 1925

Jean Valette-Penot, TROMPE-L'OEIL A LA STATUETTE D'HERCULE, fin 18eme siècle

Image publicitaire pour tapis de souris, non identifié

Netsuke en ivoire, 5 cm

Giorgio de Chirico, la méditation de mercure, 1973

Guglielmo Giraldi & Taddeo Crivelli, Ste Catherine, Livre d'heures Gualenghi-d'Este, 1469

Bartolomeo Murillo, auto-portrait, 1670

Joseph Henry Sharp, la niche, début 19e siècle

Frans Francken, cabinet de curiosité, 1618

R.H. Quaytman, Chapitre 15, DvS4, 2009

Frans Francken II, cabinet de collectionneur (Anvers), 17 eme siècle, détail

Frans Francken II, cabinet de collectionneur, 1625

John Haberle, bachelor's desk, 1890-94

Henri Matisse, odalisque à la culotte grise, 1927

Roy Lichtenstein, atelier d'artiste avec modèle, 1974, 243 x 325 cm

Henri Matisse, bronze aux oeillets, 1907-08, 60,5 x 73 cm

Roy Lichtenstein, atelier d'artiste, soin des pieds, 1974, 243 x 325 cm

Richard Hamilton, Interior, 1964-65

Any Ever - Trecartin & Fitch @ MAMVP

2012-01-08T18:36:00.002+01:00

D’abord le plaisir de voir en vrai ce travail bien installé sur la scène US. Puis la gourmandise de l’abondance, puis la simplicité d’un rapport nu et net offert au public invité à photographier, même au flash tout ce qu’on veut. Ce n’est pas qu’un gimmick, c’est aussi un outil (l’appareil photo numérique ou la fonction correspondante dans nos téléphones) qui permet de voir, qui aide à voir et à trouver sa place, a cadrer son expérience. Car oui, il y a beaucoup à voir, dans tous les sens. Mais justement dans cet art du « tout est possible en art aujourd’hui » il apparait que la meilleure stratégie, une fois que les artistes se soient laissé envahir par le monde et les formes que l’industrie et nos usages produisent, la meilleure stratégie donc, c’est de COMPOSER.

Donc savoir hériter de tout l’art d’avant, au présent ! Donc délices de formes, couleurs, textures, échos et mutations d’une pièce à l’autre dans la série de sculptures sur le palier d’accueil. Tableaux reliefs, totems, mutants, fenêtres/vedutta, tradition familiale bien établie et désormais classique des Rauschenberg, Kienholz, Rachel Harrison/Jessica Stockholder et donc Miro/Schwitters/dada etc… Délice du choix des gammes chromatiques des objets, de leur nombre, de leur placement, de leur mise en relation, d’ajouts de peintures, de fixations, de cables et solutions techniques pour réunir les morceaux qui deviennent eux même éléments esthétiques.

Quant aux salles vidéos, elles prolongent le travail de Pipilotti Rist, Diana Thater ou Joan Jonas : prolonger l’espace de l’image dans l’espace du spectateur : travailler la contamination et l’incorporation. Moins fou et complexe que les sculptures, mais une façon concrète de travailler à comment installer des spectateurs pour regarder de la vidéo en musée, au lieu de chaque fois réinventer la salle de cinéma en moins bien. Logique de plateau tournant de salles en salles sur le modèle international de Ikea pour des films de personnages hystériques, partagés entre narcissisme (parler à soi même), confession par webcam, drame téléréalité, thérapie de groupe, troupe de théâtre en folie, art de la performance et du grimage des stars du rnb ou lady gaga à Leigh Bowery, Cindy Sherman ou Gilbert & George. Drame des relations, des identités, des limites entre soi et les autres, le corps et l’espace et les vêtements et leurs images, entre désir et violence, construction et interruption, appartenance et singularité. Notre portrait imaginaire actuel, du Brueghel contemporain… Important et mémorable. Et un très beau choix de la part de la programmation du musée !

Poly-Matériaux

2012-01-05T10:47:00.039+01:00

Laurel Halo, hour logic (pochette de disque) 2011

Aaron Curry, 4 + 1, 2010, sérigraphie et peinture sur carton, collage

Alberto Magnelli, cheval sur fond bleu

Tobias Madison, non identifié, Epson Ultrachrome K3 Print, cadre en bois 39 x 30cm. Oeuvre de l'exposition Drawings, 2011 à Haus Konstruktiv.

Enrico Prampolini, Béguinage, 1914

Sarah Tritz, peinture abstraite 1, 2011, gouache et aquarelle sur papier et toile, cadre en chène peint

Tobias Madison, sans titre, 2011, impression epson sur alu, cadre en bois de rosier

Edward Wadsworth, nature morte, 1926

Bruce Conner, valentine's day mass, 1960's

Lesley Vance, Untitled (after Gelbe Form), 2010

Tobias Madison, non identifié, Epson Ultrachrome K3 Print, cadre en bois 39 x 30cm. Oeuvre de l'exposition Drawings, 2011

Lesley Vance, nature morte dans l'atelier (utilisées comme point de départ pour ses peintures), 2009-10

Seth Price, sans titre, 2006

Enrico Prampolini, forme-force dans l'espace, 1932, 100 x 82 cm

Jean Pougny/Puni, non identifié, années 1910 (relief pictural)

Jean Pougny/Puni, relief, vers 1914-16

Lesley Vance, Untitled (#35), 2010 huile sur toile de lin

Lesley Vance, nature morte dans l'atelier, 2008-2010. Photographie

Patrick Hill, spit & swallow, 2008

Cécile Dauchez, bas-relief (#18), 2011, matériaux divers sur photocopie

Sarah Tritz, peinture abstraite #2, 2011, gouache et aquarelle sur toile et papier, cadre en chène.

Alberto Magnelli, Pierres, 1933

Tobias Madison, non identifié, Epson Ultrachrome K3 Print, cadre en bois 39 x 30cm. Oeuvre de l'exposition Drawings, 2011

De Chirico & Co

2011-12-29T21:19:00.002+01:00

Giorgio de Chirico, nature morte avec tête sculptée, 1925-29

Une collection d'oeuvres autour de l'héritage ou la persistance de l'univers et des formes de De Chirico. Liens aperçus, sentis, relevés chez divers artistes, peintres ou photographes qucroisés ces dernières semaines ...

Roy Lichtenstein, still life with glass & peeled lemon, 1972

Elad Lassry, gourds, 2011

Charles Sheeler, cactus & the photographer's lamp, 1931

John Groover, poivrons, 1979

Paul Martellière, nature morte aux abricots (endommagée) 19e.

Ewdard Burtynsky, Shipbreaking n°49, Chittangong, Bangladesh, 2000

Thomas Ruff, intérieur (2E), 1983

Elad Lassry, sculpture (zebrawood) 2010

Neo Rausch, diabolo, 2011

Christian Hidaka, actor, 2011

Giorgio de Chirico, les baigneurs

Matthew Cerletty, sans titre (manteaux), 2011

Giorgio De Chirico, le génie diabolique du roi, 1914-15. 61 x 50.2 cm

Bernd & Hilla Becher, hauts fourneaux, Lorraine, 1971

Giorgio de Chirico, termopili, 1971

Charles Sheeler, Amoskeag canal, 1948

Giorgio de Chirico, soleil sur chevalet, 1963

Roe Etheridge, Apples & cigarettes

Collier Schorr, Cut out Kate, 2006

Amélie Bertrand, sans titre, 2011

Giorgio de Chirico, le retour d'Ulysse, 1968

Elad Lassry, Tadpole Structure (For Dancer, Boy and Collectable), 2009

Guy de cointet & Oilivier de Bouchony, décor de De toutes les couleurs, 1982 Paris

Edward Wadsworth, Bright Intervals, Song of the Sea, 1928

Christian Hidaka, figure+forms, 2011, 60 x40 cm, tempera

Wolfgang Tillmans, TGV, 2010

Anton Kertesz, série des polaroid, années 1970.

Giorgio de Chirico, Deux Masques, 1926

Roe Etheridge, Studio with Red Bag. 2009

Maxime Thieffine, Georges, 2011, photo numérique imprimée sur toile sur chassis

Amélie Bertrand, sans titre, 2011

Elad Lassry, Truffle Goat Cheese, Emmentaler, Fork and Spoon, 2010

Herbert Bayer, wall with shingles, 1936 (photographie N&B vue dans les collections du centre pompidou)

Edward Wadsworth, aux portes de la ville à la tombée de la nuit, 53 x 38cm, tempera, 1937

Thomas Huber, sans titre, aquarelle 2008

Emilie Perrotto, Imaginaire de carton-chutes véritables (solution de stockage n°4), 2005, 80 x 80 x 92 cm

Giorgio de Chirico, intérieur métaphysique, 1968 (sic!)

Max Frisinger, Sea lion (feist), 2010, 246 x 273 x 105 cm

Matthew Cerletty, Ikea, 2011

Thomas Ruff, intérieur (2D), 1982

Emilie Perotto, Plus haute est la montagne, plus grande est la chute, vitrine des Galeries Lafayette, Nice (2009)

Walker Evans, Window display, bethlehem, pennsylvannia, 1935

Giorgio De Chirico, nature morte évangélique, 1916

Une familiarité qui émerge ici souligne les préoccupations communes sur l'image comme objet, les objets mélangées aux humains, les espaces où intérieurs/extérieurs (atelier/magasin) se brouillent, où le théatral et les coulisses se contaminent (atelier/document, choses observées/imaginées ou naturelles/culturelles). Et aussi une façon de voir comment l'oeuvre et l'artiste traversent le temps, les temps, les époques et les styles. Je renvoie aussi sur l'ouvrage exceptionnel de Eric de Chassey, Platitudes, sur la photographie plate ou frontale et la filiation qu'il trace au travers de l'histoire de la photo sur les questions de regards porté/face aux images-objets, qui nous regardent aussi ...

Albert Oehlen @ Max Hetzler

2011-12-16T21:30:00.002+01:00

Montage de détails, vues d'expo et tableaux de Albert Oehlen (de 2004-2005), chez Max Hetzler, Berlin, juin 2011

... où les coups de bombes (roses), coulées (marrons), à plats (gris), arabesques et traces de doigts, collage en sous-couches traversent l'espace et se continuent d'une toile à l'autre, à des échelles et selon des axes différents (on voit que des toiles ont été peintes selon différents axes et accrochées selon d'autres) : gestualité fantôme restituée en live, invisible, mais devinée au travers de l'espace. Jouissif : processuel, visuel, spectaculaire, délicat et ultra précieux et pourtant capricieux et libre.

Double appui

2011-09-10T13:30:00.011+02:00

"we just stand each other up", extrait des paroles de la chanson de Memory Tapes "wait in the dark" (2010)

Eva Hesse, ennead, 1966

Ingrid Luche, ghost dress, 2011

John Mc Cracken, think pink, 1967

George Tony Stoll, conversation, 1996

Philip Groezinger, in diesem ruhigen schweigen, 2011, 40 x 30 cm

Lena Henke, oeuvre présentée lors de l'exposition Schlangen im Stall à la Galerie Parisa Kind à Francfort, 2011

Felix Vallotton, la femme du peintre

Richard Serra, prop 7 (for Nathalie) 1983

Stay +

2011-09-07T11:01:00.003+02:00

Un post rapide sur mon tube de l'été. Stay Positive par Stay+, anciennement baptisés Christian AIDS, mais renommés suite a des problèmes avec l'association chrétienne Christian Aid. Un groupe/projet/duo (?) anglais. Une basse synthétique ramenée au premier plan qui fait office de mélodie, des sonorités mouelleuses et métalliques (Underworld était les maitres d'un son hybrique entre techno dure et les glissements plus soft de la trance). Ca dessine un imaginaire souterrain de tuyaux et de ruines industrielles (cf. le clip de Prodigy no good), des usines vides des parents désormais au chomage dans ce nord de l'Angleterre : ainsi célébrées et exorcisées. Le tempo tendu, nerveux, méchant est contrebalancé par les voix lointaines qui flottent sur des synthés mélangés à des éclats de cymbales indistincts. Le fil risque de se perdre dans des réverb ambient et silencieuse mais embraye sur un mode boom-boom classique néanmoins hanté par des choeurs de doo-wop à la tim burton. Le refrain est bati sur un riff synthétique strident (qui me rappelle Altern 8 ou LA Style) mais légèrement poli et flouté. Stay+ dessine un paysage sonore panoramique, mental, physique, techno-punk (avec le coté rétro de ce terme), paranoïaque et enveloppant.
　

L'apparition finale du morceau de Robin S "Show me love" (tube des clubs et radio en 1993) est une vraie trouvaille : elle suggère que le titre que nous venons d'entendre (de Stay +) n'est que ce qui résonnait dans la tête de quelqu'un qui écoutait ce titre là en club en 1993. On remarque alors rétrospectivement que Stay Positive reprends certains patterns rythmiques et ondes sonores de ce titre. Il s'agit donc d'un document sonore et d'une perception subjective d'autre chose. C'est une sorte de statement méta-club, post dance music assez asticieux, sans sacrifier le coté dansant.

Néanmoins, ils produisent un son véritablement actuel, impossible jadis, qui bénéficie des façons de construire et de superposer les tempos et intensités du dubstep autant que d'une dramatisation du son (les effets surround et panoramiques) dus aux ambiences pré-settés des logiciels de mixage. Au point de vue de la personnalité du groupe, ils jouent avec l'imagerie de l'émeute, d'une britishness sombre et non-working class et du document recyclé, d'un anonymat propre à la culture club des 90s et d'un mystère crypté/cagoulé comme WuLyf. L'acid sans l'euphorie.

On est là devant une sorte d'équivalent anglais a la witch house (oOooOo, Balam Acab, Rabe rainbow, Salem) ou au rnb psychédélique actuel (How to dress well, The Weeknd) mais adapté à l'univers club/dance culture/rave music : explorant des intuitions jamais creusés alors dans la diva house ou le ballearic, le shoegaze (Slowdive), le trip hop (les premiers Massive Attack) la trance (Fluke), la stadium house (KLF), et l'europop pour les tordre, les gonfler, les étirer, les saturer et les habiter plus profondément. Un beau programme pour la pop à venir donc ...

Leur premier EP réunit scum, fever, stay positive et young luv

Arabesques

2011-09-06T20:00:00.001+02:00

Une suite d'Arabesques, rencontrés récemment et conjointement au travail en atelier. Arabesques, faute d'un meilleur terme. Je précise : plutot ce qui dans le plan se tord, vrille et semble en sortir ou en sort réellement : débordement par lignes et nerfs ce qui va de pair avec un creusement, une aération et la pénétration des vides dans la structure...

Christian Hidaka, small balancing rock 2, 2010 , huile sur toile, 61 x 50 cm

André Masson, extase, 1938

Bernard Pagès, la rayonnante, 1989, Cornières déformées,

métal éclaté, soudé et peint, 220x 190 x 13 cm

Otto Muehl, Untitled, 1961, bois, peinture, tissu, corde sur carton

Kaspar Muller & Tobias Madisson, bora bora structure LA, 2011,

cordes d'escalade, bamboo et caoutchou, métal

Sigmar Polke, Langeweileschleife, 1969, adhésif sur le mur

Matthew Mc Caslin , dixie Li

Etienne-Jules Marey, études de fluides, mouvements de l'air, fin 19e

Man Ray, femme, 1920

Claes Oldenburg, giant soft fan, 1966-67

Inconnu, Hercule & l'Hydre, entre 1540 et 1560, Bronze, Louvre

Frank Stella, de la série lattice variations, 2008

Eva Hesse, Top Shot, 1965, cable métallique, cable électrique, métal, peinture

Tobias Madison, drawing, 2010

Gyo FUMON, kesho (toilette), 1918, fer, H30,7 cm

Cesar Domela, relief 137, 1971 (photo N&B, oeuvre en couleur)

Richard Serra, White neon belt piece, 1967

Wilhem de Kooning, untitled 12, 1985

Visage cassé

2011-08-08T21:12:00.001+02:00

Rasha Kahil, in your home (de la série), 2011

Chris Johanson, his Person Is Able to Co-Exist in World of the Square Energy, 2011

Matthew Monahan, Narcissus 2005

Nathaniel Mellors, Hippy dialectics, 2010 (détail) sculpture mécanisée et programmée

Cranach, Salomé portant la tête de St jean baptiste

Thomas Hirshhorn, collage non identifié, vers 2009

Marcel Janco, masque, 1919

Daryl Lyndsay, potts, 1918, Courtesy Gillies Archives, Queen Mary's Hospital

Thomas Hirshhorn, détail de l'installation Crystal Palace, Pavillon Suisse, Venise 2011

Fontana, crâne, céramique

Paul Lee, untitled can sculpture, 2010

Richard Hughes, Nan's Ode To Street Hassle, 2003

Alina Szapocznikow, Dessert I (Petite Dessert), 1970-71

Tom Wesselman, étude pour Smoker

Sarah Tritz, le masque, 2011, terre autodurcissante, bois, verre, peinture en bombe

Primary One, visuel promotionnel 2009

Capture d'écran du Clip de Visage, fade to grey, réalisé par Godley & Creme

Maxime Thieffine, provisoirement sans titre, 2011, photographie numérique

Basquiat, skull (?)

Joëlle Tuerlinckx @ Christian Nagel, Berlin

2011-07-16T21:00:00.000+02:00

Visite et émerveillement à l'exposition de Joelle Tuerlinckx, Geologie einer Arbeit. New and Old Paper-Assemblage in einer Kurzen Orangen Retrospektive von Joelle Tuerlinckx, pour les malheureux qui ne connaissent pas encore cette immense artiste, belge, née en 1958, héritière de Filliou et d'une grande maitrise dans l'art de l'installation, déployant des trouvailles, gestes généreux et interconnexions plastiques à 360° dans tout l'espace, dans une galerie disposée comme une vitrine. Ici elle joue de murs tapissés d'une trame de briques imprimée sur papier fluo orange qui bave et irradue sur toute la colorimétrie ambiante. Le regard rebondit dans ce nuancier de gris, marron, orange et blanc, entre objets, images, textes, signes, trames, matières, vraies ou simulées. Le bureau de la galerie est empli sur tout un mur de collages-documents-images-pliages jouant avec tous les éléments matériels de l'objet encadré (remarquez le cadre tordu sur la 6e image, les aimants collés sur les photos contrecollées sur alu, les indications fictives d'échelles, le bleu de travail laissé près de la porte, etc ...). Elle fournit ici des idées pour s'amuser dans l'atelier pour qq années encore. Sur la question de l'événement artistique (où? comment ? à quelle échelle?), sur la rupture entre les causes et les effets, sur l'oeuvre comme fragment ou comme ensemble, comme geste ou comme trace... Une exposition comme on devrait en voir plus souvent,et on attend toujours une expo d'elle à Paris ...

Cadeau (fermé)

2011-07-16T19:30:00.003+02:00

Man Ray, l'énigme d'Isidore Ducasse (1920, refait en 1972)

Tucker Nichols, sans titre (IN37547), 2010

Paquet cadeau pour BH, 2011

Jan Arp, avant ma naissance, 1914

Hanneline Rogeberg, Balzac 1, 2008

Claudio Bravo, pink & yellow package, 2000's (attention peinture hyper réaliste!)

Tauba Auerbach, untitled fold painting, 2010

Lisa Williamson Hurdle, Club Foot Chooses Pajamas, 2010

Rachel Foullon, there was at this time no specific room for sleeping in, 2010

Kacere, Judy, 1982

Claudio Bravo, White package, 2006

Robert Melee, table top, 2008

a suivre pour l'ouverture des paquets ...

Cadeau (ouvert)

2011-07-16T19:08:00.012+02:00

La suite du précédent post ... ouverture des cadeaux ...

Rauschenberg, Short Circuit, 1955. Cette oeuvre est comme un retable qui contient des oeuvres d'amis que l'artiste voulait présenter dans un salon annuel où leurs oeuvres avaient été refusées : Susan Weil, son ex-femme, Jasper Johns, son nouvel amant, un collage de Ray Johnson + un programme de concert de john Cage et un autographe/la signature de Judy Garland. La pièce de Johns a été vendue séparément plus tard et est aujourd'hui remplacée par une copie réalisée par Sturtevant.

Richard Tuttle, boys, let's be bad boys

Emmanuel Lainé, promptuaire, 2008

Robert Aldrich, If I Paint Crowned I’ve Had It, Got Me, 2008

Scott Lyall, The Color Ball, 2008 détail

F E Walther, Hal 2 Holz Slocke, 1969

Helio Oiticica, bolide 11, 1964

Joe Zucker, vesuvius, 2003 (diptyque, couvercle - vue intérieure- et fond en bois)

Points de Vues Assis

2011-07-16T17:20:00.016+02:00

Sont réunis ici quelques vues d'expos ou d'oeuvres, croisées récemment en live ou sur internet, mettant en scène la place du spectateur dans des installations/dispositifs de visions pénétrables ou non, pour voir et comparer ...

Jordi Colomer, arabian stars, vue d'expo, Galerie Michel Rein 2005

Rachel Harrison & Scott Lyall, Schnitte im raum, exposition Sculptural Collages au Museum Morsbroich, 2011

Michael Riedel, exposition chez Michel Rein, 2010

Nikolas Gambaroff, exposition à Balice Hertling, 2011

Théa Djordjadze, sans titres, 2011 (chez Sprüth Magers Berlin)

Jon Pylypchuk, exposition à Alison Jacques, 2009

Sarah Tritz, du fauteuil de mon roi rose, exposition chez Anne Barrault, 2011

Tom Burr, gravity moves me, 2011

Charlie Jeffery, le bureau de l'association Au bout du plongeoir, Tizé 2010

Kees Van Dongen

2011-07-16T17:00:00.018+02:00

Retour de visite de l'exposition Kees Van Dongen au MAMVP et prises de notes ...

Kees Van Dongen, portrait d'une Zélandaise, 1898

Kees Van Dongen traite de l'apparition des corps dans les images et même de l'apparition des corps en général. Un corps joue avec un autre. Le corps dans l'image joue avec le corps de celui qui le regarde. Et ce jeu n'est uniquement possible que dans un terrain de jeu aux règles non dites, mais perceptibles : celles de la matière qui rend les corps visibles les uns aux autres : ici la peinture. Le pinceau et les pigments dans l'huile déforment autant les corps représentés que ces derniers manipulent et informent le geste de celui qui les peint.

Pour être plus précis encore, on peut dire qu'on a affaire à des personnages plutôt qu'à des corps et à des images plutôt qu'à des peintures. KVD expose un théâtre des corps sur la scène du social et de l'imaginaire. D'où son intérêt/ talent principal pour le portrait et pour le cirque ou le music hall; aussi bien du côté des spectateurs que de la scène et des coulisses. Il peint des personnages en images, images qui produisent de la pensée et des indices sur cette étrange chimie humaine.

Van Dongen, la jarretière, 1905

Dans ses meilleurs toiles, il conjugue présence des personnage, jeu avec sa palette, la lumière (saturée, blanche) et des compositions (ou des cadrages) suffisament étranges et singuliers pour transformer l'ensemble en une sorte de hiéroglyphe, d'énigme. Il peint des postures de corps qui fonctionnent de façon abstraite comme des Sphinx, clés cryptées de la rencontre et du désir entre le peintre et son modèle. Position des bras, place de la tête dans le cadre et sous la lumière, regard figuré et taches pateuse à la Van Gogh très localisée.

Van Dongen, femme au chapeau de roses

Ainsi en voyant l'exposition, j'ai pensé à de nombreux peintres, que je connais plus ou moins bien, des années 80 : David Salle et Eric Fischl mais aussi Robert Longo ou Cindy Sherman qui traitaient du même sujet avec d'autres moyens. On peut d'ailleurs dire que KVD n'est pas resté un bon peintre longtemps car il aurait du logiquement adopter les moyens actualisés de son art, la photo pop en couleur, la publicité, ou du moins le corps dans l'imagerie populaire (voir Picabia). Mais il s'agit là d'une question plus vaste, qui est celle qui a vu la peinture quitter l'europe dans les années 50 vers les Etats Unis, alors que chez nous les De Stael, Fautrier, Dufy, Léger ou d'autres étaient développés et actualisés par des Warhol, Lichtenstein, LeWitt ou Pollock entre autres. Question de statut social et d'absence de connection sociologique et symbolique entre la culture aristo des peintres d'ici tels Van Dongen et la culture pop/image du spectacle. KVD traite de cela, d'un corps qui s'expose, d'un corps en spectacle, donc travesti, grimé, déformé par la lumière du désir et des règles du populaire/de la foule avide de corps a voir.

Steven Shearer, as a boy, 2006

Van Dongen, femme rattachant son jupon, 1902-03

John Currin, mademoiselle, 2009

Van Dongen, Nini 1909

Bref, KVD, par son talent (ses cadrages, certaines compositions (la façon de placer le corps dans le rectangle du regard) et ses drôles de tendances de la touche (floues et cotonneuses en rythmes verticaux all-over répétitifs de façon localisé, soit sur les robes ou sur les arrières plans) joue avec les styles et le temps, avec notre vision très darwynnienne et vingtièmiste de l'art, désormais dépassée. Il pratique une sorte de post-impressionnisme tardif (en plein cubisme qu'il connait), tendance rigolard et urbain, revenu des campagnes et banlieues de ses ainés, quittant la vue d'ensemble du paysage pour des portraits en pieds et des lumières électriques, alors nouvelles, de la ville, quittant le calme et la profondeur de l'instant au soleil pour la fête, le vif, l'artifice, la torsion et disparition/apparition des corps dans la foule et l'électricité. Il glisse via le dessin et la caricature assez réjouissante vers l'expressionisme qu'il ne pratiquera pas vraiment. Il mèle une palette colorée fauve, nabis, Klimtienne parfois, donne dans un flou cotoneux (à partir de 1907) proche de Matisse ou des premiers Kandinsky mais sans l'alibi folkloriste ou paysan. Un peu comme du Watteau pop et bad painting. Comme s'il avait déréglé la focale impressionniste qui laissait voir les touches pour faire le point sur les traits et points saillants, multiples et mouvants d'un corps en scène, une mise au point sans cesse perturbée, avec pertes et abhérrations. Puis lorsqu'il pratique le portrait de commande en pied, grand format, plus rien ne bouge ni ne fuit, le face à face est neutralisé par le cadre social, chacun joue son rôle sans beaucoup d'échanges.

David Salle, Hitch hickers, 2011

Van Dongen, autoportrait en Neptune, 1922

Glenn Brown, le grand masturbateur, 2006

Il circule dans le temps et les touches/traces d'époques un peu comme Picabia ou De Chirico (en beaucoup moins bien c'est certain) et en mieux que Buffet. A la fois abstrait par endroit, impressionniste déchu, parfois fauve, finement caricatural et pré-photographique, pompeux et tendre, bref il se sert du passé récent de l'art de la peinture comme d'une garde robe. En cela, il est très post-moderne! KVD est finalement un peintre de la relation à l'autre, un peintre du choc des corps plutot que des idées sur l'art et la peinture, c'est sa faiblesse (pas de traités, manifestes ou leçons sur l'art) mais aussi son intéret maintenant que nous sommes après la bataille des idéologies de l'art (abstrait, pur, etc...)

Cindy Sherman, sans titre #112, 1982

j'ajoute ce lien trouvé récemment, vers painting people, livre sur la peinture récente focalisée sur le portrait ...

Penser l'image

2011-03-25T08:30:00.003+01:00

Gauguin, nature morte avec profil de Laval, 1886

JL Moulène, Ramona Amsterdam, 2004

Achat et Lecture de Penser l'image (publié fin 2010 aux Presses du réel), et plus particulièrement lecture des très bons textes de Gottfried Boehm, Hans Belting, Georges Didi-Huberman (et je n'ai pas encore tout lu) et surtout W.J.T. Mitchell qui m'a vivifié, rassuré (sentiment de ne pas être le seul à penser ce qu'on pense) et qui a formulé beaucoup d'intuitions personnelles.

Son essai, Que veulent réellement les images? "vise à localiser le désir des images, ce qu’elles veulent». Oui, il formule l'hypothèse que les images désirent ! Avec ce que cela entraine de personnification et de subjectivation des images qui les ramène vers le fétichisme, l’animisme et le totémisme, ce que la raison (et la modernité) n'aime pas trop. Avec ce que cela comporte donc de «régressif» (au sens péjoratif) pour la pensée et la philosophie de l’esthétique.

Mitchell assume tout à fait cette péjoration et lutte contre, il se sert ici des cultural studies et des études qui se sont fondées sur la défense de la parole des minorités, (sexuelles ou raciales) pour les transférer sur les images elles-même, considérées comme minorité censurée et manipulée, bref, discriminée. On aurait ainsi prétendu parler à leur place. Il revient sur le mépris moderne et marxiste pour l’image: objet de manipulation des masses, son idolâtrie populaire, sa servilité publicitaire… pas fausses mais là-dessus, je renvoie à Didi-Huberman sur France Culture il y a qq. jours (qui parle justement de rendre sa puissance à l’image et donc de la nécessité essentielle de lutter par l’image contre les «mauvais usages» de l’image; comme on le fait avec les mots pour ne pas laisser les discours qui veulent confisquer/détourner certaines notions politiques et idéologiques).

Alain Boiffar, sans titre, 1930

L'analyse de Mitchell rencontre mes recherches sur l’image comme personnage (voir mon texte dans le catalogue de la série d'expositions du Bureau/ Un Plan Simple). L'auteur parle de la face/visagéité des images, qu’elles montrent des corps ou non. Il conçoit une image qui s’adresse à nous et qui apparait avec un corps, une image qui fonctionne comme un miroir anthropologique, faite de même et d'autres. Une pensée très stimulante du coup.

Maxime Thieffine, 22,7 Mo, 2010, photographie imprimée encadrée

Jean-Charles de Quillacq, Sophie Favier, 2010, photographie et argile auto-durcissante

Il met les pieds dans le plat en posant une opposition très vraie selon moi, entre l’image comme femme, et le porteur de regard/spectateur comme homme　! Si on laisse de coté les clichés sur le métal viril et le textile féminin, on est obligé de reconnaitre que ces associations existent mais qu'on peut en jouer et que ça se déplace sans cesse et que ca se mélange dans nos corps et nos pratiques. Cela engage énormément nos activités de fabricants d’images et de travail sur le genre, sur notre posture de genre, même notre conscience de genre dans nos choix de matériau, d'échelles de travail, de référents, de couleurs et de technicité, entre autres topos de la création.

Le terme de queer apparait chez nous en ce moment, mais je pense que ça va au-delà. Le choix des matériaux, de nos pratiques, la virilité ou fragilité qui leur est associée, la façon d’installer et de nommer nos œuvres disent et écrivent une posture de pouvoir et de rapport au masculin/féminin. C’est assez inconscient (voir le succès des artistes-architectes-ingénieurs-bâtisseurs-maquetteurs-géomètres-concepteurs) mais justement d’autant plus actif que cela agit en arrière-plan idéologique impensé.

Elad Lassry, pillow, 2010

Pour ensuite répondre à la question du titre　: que veulent les images ?　Souvent, dit-il, on leur fait vendre quelque chose : des produits ou, chez les artistes, des concepts. Ou bien on leur fait montrer comment leurs producteurs sont intelligents et cultivées ou habiles. On veut faire des images soit le véhicule d’un message soit un outil de pouvoir. Et les artistes sont les premiers à opter pour ces deux usages de l’image. Car véritablement, nous sommes tous confrontés à ceci　: l’image doit capturer, captiver, retenir le spectateur. Si le spectateur passe trop vite dessus, c’est raté ! Les images veulent donc notre attention, elles nous veulent.

Goya, Nature morte à la tête de mouton, 1810

L’analyse de Mitchell déçoit ensuite car les images qu’il utilise en exemple sont des images de propagandes et affiches célèbres du 20eme siècle. Il les analyse avec informations et empathie et cela lui permet méthodologiquement de spéculer de façon très stimulante. Il parle d’un corps des images, d’images qui ont des trous, des orifices (yeux, bouches) et qui ont des mains qui veulent nous toucher. Il parle d’images vampires qui veulent que notre corps deviennent comme elles, qui veulent se déposer en nous et trouver en nous des acteurs aux personnages qu’elles proposent d’incarner. Donc en pleine logique chrétienne. A l’inverse, il passe évoque trop vite le désir sous-jacent de la modernité (à partir des formulations de Fried) de se débarrasser du corps et du désir dans l’image, ce qu'aurait dinc produit l’abstraction avec son idéologie de la pureté, de la transcendance, de l’esprit dominant sur le corps etc…

Kertesz, titre non identifié, 1937

Sarah Tritz, une rose n'a pas de dents, 2011, photographie

De façon plus subtile, à partir des montages textes-images de Barbara Kruger: il montre en quoi 3 paroles, 3 lieux d’énonciations cohabitent dans l'image: l’objet représenté, la photo-œuvre et l’artiste. Tous les 3 nous s’adressent à nous. Ils ne nous parlent pas seulement, ils sont présents et agissent. Mais Mitchell possède l’humilité et le recul pour se rendre compte que, encore et toujours, il ne travaille ici qu’au niveau du message, de la sémiologie. C’est là que sa pensée doit donc être relayée par des artistes, en acte, avec la conscience et les jeux (de rôles, de points de vue, etc) que cela ouvre. D’où mes recherches actuelles sur le masque : Qui est masqué ? Qu'est-ce qui est masqué ? Qui parle ? Que dit le masque ? Que dit ce qui est sous le masque ? Et sur les arlequins (comme bouches multiples – et pourquoi pas contradictoires - dans un seul corps).

Paul Klee, la flèche devant la cible, 1921

Il conclue tout de même en posant qu’il faut solidifier et légitimer «　la fiction constitutive des images comme êtres animés　», la notion de fiction de corps assigné à l’image, fiction d’un statut qu’elle prend pour s’incarner (dans un médium) et pour jouer pour/avec nous. Fiction qui　appelle à s’ouvrir à l’interprétation, à l’échange avec nous spectateurs, car précise-t-il, "il ne faut pas confondre ce que veut l’artiste-producteur de l’image avec ce que veut l’image, sachant qu’elle-même ne sait peut-être pas bien ce qu’elle veut". Donc c’est plutôt un appel à la vigilance de notre regard qu’il élabore.

Il s’agit surtout de faire attention à la place qu’on lui accorde en nous, à la façon dont on fait résonner et dont on donne voix à un désir qui transparait d’elle, sans se tromper : «Les images veulent les même droits que le langage, et NON ETRE TRANSFORMEES EN LANGAGE» (je souligne), il voit l’image, justement, comme une personne qu’on rencontre dans la rue et qu’on salue en soulevant son chapeau : "au fond, les images veulent simplement qu’on leur demande ce qu’elles veulent" et même, j'ajouterai le temps (en soi) et le respect d’écouter cette demande, par contre sans aucun ramollissement de l’analyse critique bien sur. Comme on le fait avec les personnes qu’on aime : exigence et empathie maximales.

Mitchell, ne fait qu'entrouvrir ce qui se révèle donc être une superbe piste d'approche des images, incluant les sciences humaines et l'analyse et en appelant l'inclusion des effets, du jeu intime et formelle dans l'image sur le spectateur qui prète son corps et son esprit à l'image qui s'adresse à lui.

Fernand Léger, nature morte, 1927, Musée de Berne

Graham Little, rose lady, 2010, crayons de couleurs et gouache, 27 x 31 cm

Merci donc aux éditeurs de cet ouvrage, Emmanuel Alloa aux Presses du réel pour ces traductions d’auteurs rares en France. Je recommande un livre que Amazon vient de me livrer: de WJT Mitchell, What do pictures want ? (the lives & loves of images) University of Chicago Press, 2005, en anglais donc et en cours de traduction. Ceci s’adresse aussi à tous les acteurs actuels de l’art qui ne pensent que par le texte, le discours, le livre, le papier et le document, bref qui sont devenus aveugles aux formes, des spectateurs aveugles maigres, pales ET bavards. Pour tracer cette généalogie du mépris intellectuel pour l’image que je ressens tant en France, Mitchell cite d’ailleurs le livre de Martin Jay: Downcast eyes, the denigration of vision in 20th century french thought, 1993, University of California Press, à lire donc. Ce sont donc les californiens (!) qui nous rappellent qu’il ne faut point être trop anti-rétinien et ne pas oublier de faire usage de ses yeux (croire aux pouvoirs de la caméra et du cinéma comme le fait Godard). Il s'agit simplement de savoir être multiple, chercheurs et lecteurs mais aussi de prendre le risque de faire face aux images, de poser son corps devant en silence. C'est un vrai risque, celui d'être troublé. Beaucoup d'œuvres permettent de parler et de raconter des tas de choses (on adore tous ça), mais ne tiennent pas en face d'un corps qui la regarde ou sont ridicules comme organisations formelles. A vouloir trop échanger, on oublie ce sur quoi on voulait échanger et qu’il existe des objets-œuvres face à nous, pas que des mots en(tre) nous (je renvoie ici à mon post sur les expos qui n'ont pas eu lieu en France en 2010)

Masques Ecrans Tissus Suspendus

2011-03-24T14:30:00.001+01:00

Heather Cook, deux oeuvres sans titres, 2010 tissus jersey délavés et fixations au mur

Susan Weil, apeel, 1983

Burqa, image via Google

David Hammons, 3 oeuvres récentes (2010) sans titres, exposées à la Galerie L&M à New York

Robert Rauschenberg, Sybil (de la série Hoarfrost) 1974

Robert Rauschenberg, Mirage (de la série Jammer) 1975

Franz Erhard Walther, installation non identifiée

Robert Rauschenberg, franciscan, 1972

Ecran plats / Réglages

2011-03-23T23:45:00.001+01:00

Les 3 Bobs (un pur hasard) : Rauschenberg, Filliou, Ryman convoqués pour une recherche sur les écrans plats ...

Robert Rauschenberg, deux éléments de la Série des cardboards pieces, 1971

Robert Filliou, permament playfulness, 1973

Robert Ryman, mur d'atelier (photo de catalogue)

Robert Filliou, atelier de Dusseldorf en 1972

Robert Ryman, installation dans l'atelier

Robert Filliou, portrait de l'artiste, bien fait, mal fait, pas fait, 1973

Robert Filliou, faim = fin de la faim, 1962

Robert Ryman, sans titre, date inconnue, 56 x 56 cm

Masques (6)

2011-03-23T23:36:00.008+01:00

Un peu toujours les mêmes images, mais d'autres dévoilements sous-jacents

Burqa, image via Google

Cornelius Volker, window, 2005 , 78 x59 cm

Paul Klee, ranke (vrille), 1932, 38 x 32 cm

Image trouvée

Dana Schutz, face eater, 2004

Masques (de l'autre coté)

2011-03-23T23:26:00.006+01:00

Sherrie Levine, After Walker Evans negative 3, 1990

Zola Jesus, pochette du CD Stridulum, 2010

Clément Rodzielski, non identifié, Vu à la Galerie des Galeries Lafayette en 2010

Bill Bollinger, dessin sans titre, 1969

Masques (4)

2011-03-08T15:36:00.003+01:00

Masque d'Arlequin

Jason Foulkes, Dali & me, 2006

Visage, Fade to Grey, 1980 (capture d'écran du clip réalisé par Godley & Creme)

Jonathan Meese, Edmond Dantes, 2007, acrylique sur papier

Odilon Redon, Partout des prunelles flamboient

Ryan Trecartin, world wall, 2007 (détail)

Nicholas Byrne, girl with a flower in her mouth, 2007

Marlene Dumas, for whom the bell tolls, 2008

Cornelius Volker, window, 2005

Arlequin (2)

2011-03-05T12:41:00.014+01:00

Réfléxions sur l'oeuvre comme déguisement, sur l'identité multiple et fragmentée, de l'oeuvre et de l'artiste, sur le centre insaisissable

Picasso, Paul en Arlequin, 1924

Dernier roman de Nabokov, écrit en anglais (1974), autobiographie romancée pour répondre à son biographe "officiel" (grand grand livre, je reviendrai dessus)

Christopher Kline, mask 14

Robert Smithson, sans titre, 205,7 x 88,9 x 25,4 cm, 1963-64

Daphné Navarre, L'Arlequine s'est mise nue, 2009

David Bomberg, ju jitsu, huile sur toile, vers 1913

Irving Penn, Harlequin Dress (Lisa Fonssagrives-Penn), New York, 1950

Hyetal

Karina Bisch, acapulco, 2011

Carole Bove, harlequin, 2010

Arlequin (1)

2011-03-05T12:15:00.012+01:00

Cézanne, arlequin, 1888-90, 65 x 101 cm

Dr. Whirlwind

Stanton McDonald-Wright, oriental symphony, années 1920

Christopher Kline, hana costume

Pochette du split single de Small Black & Washed Out

Henry Moore & More

2011-03-05T11:50:00.017+01:00

Suite à la visite de la superbe expo Henry Moore, l'atelier au Musée Rodin, quelques effets de mémoire ...

Henry Moore, wall relief 1, Rotterdam

Aaron Curry, sans titre (bricklayer), 2008

Henry Moore, Six études pour une sculpture, 1931

David Musgrave, sans titre, dessin graphite, 2008

David Musgrave, paper golem 4, 2006, alu peint, vis d'acier, plastique

Brett Lund, La petite mort, polystyrène, plâtre, cellophane, resine, 2010

Alina Szapocznikow, ventres, 1968

Dana Schutz, cut outs, huile sur toile

Paul Thek, sans titre 2, 1966

Henry Moore, stringed figure, 1938-60

Henry Moore, maquette en platre dans l'atelier

Barbara Epworth, non identifié

Henry Moore, mirror knife edge, devant l'entrée du batuiiment Est de la National Gallery of Art

à Washington depuis 1978

Lee Lozano, tools (série) vers 1963-64, 26 x 21 cm

Lee Lozano, sans titre (hammer diptych), huile sur toile, 175 x 254 cm

Lignes de Couleurs

2011-03-04T20:47:00.003+01:00

Rencontres dans la mémoire vive de mon ordinateur :

Ernst Ludwig Kirchner, Paar im atelier, 1907-08

Sara Barker, la leçon de piano, 2010 (aluminium peint et résine)

Tom Wesselmann, Monica crossed legs, steel drawing series (acier peint découpé) 2004

Masques selon Aaron Curry

2011-02-27T08:32:00.001+01:00

Une collection d'images d'oeuvres de l'artiste californien Aaron Curry (né en 1972) et visibles sur le site des galeries David Kordansky (Los Angeles), Daniel Buchholz (Berlin) et Michael Werner (Londres), allant de 2006 à 2010, développant des recherches plus ou moins ouvertement sur le masque (entre autres). Quel est le visage d'une oeuvre ? Comment se prête-t-elle au jeu théâtrale de l'exposition ? Comment laisse-t-elle entrevoir des zones d'interface et d'échanges avec le spectateur ? Qu'est ce qu'un visage ? Qu'est ce qu'une oeuvre-visage ? Comment fait-on face à une oeuvre, à une image ? Qu'est ce qui fait écran ? Et qu'est-ce qui s'ouvre de façon transparente ? Réponses par la découpe, le trou, le relief et faux relief etc ...

Masques (3)

2011-02-10T15:23:00.001+01:00

Emil Nolde, masques, huile sur toile, années 1910

Albert Oehlen, masque, collage 14 x 10 cm, 2005

Laszlo Moholy-Nagy & Paul Hartland, composition avec 2 masques, vers 1934

Jean-Charles de Quillacq, non-identifié, 2010,

Bruce Conner, untitled (hand, nose & compact) 1982, photographie

Piero Manzoni, Achrome, 1961-62, fibre synthétique

Julien Pastor, Figure à trou (Roy) 2010, béton

Alex Hubbard, video still non identifiée

Odilon Redon, le cyclope, 1898-1900, 54 x 61 cm huile sur carton

Lucien Hirtz, coupe, cuivre et émail

Masques (2)

2011-02-08T14:07:00.011+01:00

Recherches iconographiques et réfléxions sur le masque : synthèse et vision artificielle du visage, artifice qui permet d'en garder les éléments saillants pour mieux comprendre ce qui s'opère à travers lui. Suite d'un précédent post sur le masque en janvier 2010, coté pop et maquillage ... avant d'autres selon les trouvailles ...

masque d'Arlequin

Eva Hesse, sans titre, 1960, huile sur toile

Dana Schutz, face eater, 2004

Marie Preston, carton d'invitation pour l'exposition Fruiter, 2011

Marlene Dumas, Julie Die Vrou, 1985

Mark Grotjahn, sans titre (red over blue face 813), 2009, huile et carton sur toile

Aaron Curry, Power of Off (détail), aluminium peint, 2010

Les expos que je n'ai pas vues en 2010

2011-01-13T22:17:00.023+01:00

Une petite liste d'expositions que je n'ai pas vues en 2010 (mais aperçues grace à internet), pas vues ici sur Paris (un non-best-of, plutot un "most-wished") : ce qui veut aussi bien dire qu'elles ne se passaient pas à Paris mais aussi qu'il est dommage que de tels sujets (d'expos/de réflexions) n'aient pas donné lieu à des expositions sur Paris. Pourquoi donc l'image ne travaille-t-elle donc pas nos commissaires, critiques et organisateurs divers alors qu'elle agit et travaille nos comportements, nos jugements, opinions et gouts à un point inouï ? Pas sérieuse sans doute ? suspecte ? trop facile ? séduisante ? dangereuse ? Complexe ?

Painting : process & expansion, des années 50 à nos jours

Au MUMOK de Vienne, cet été 2010, organisée par Edelbert Köb et Rainer Fuchs. Sur le jeu et les gestes et le rapport de la peinture à l'espace, entre autres bien sur... j'imagine un grand plaisir raté que cette expo ... avec Robert Rauschenberg, Robert Morris, Joseph Kosuth, Karel Malich, François Morellet, Max Weiler, Alfons Schilling, Jorrit Tornquist, Imi Knöbel, Heinrich Dunst, Gerwald Rockenschaub, Adrian Schiess, Jessica Stockholder, Heimo Zobernig, Christian Eisenberger, Jackson Pollock, Yves Klein, Morris Louis, Arnulf Rainer, Hermann Nitsch, Max Weiler, Joseph Marioni, David Reed, John Baldessari ...

Besides, With, Against, and Yet: Abstraction and The Ready-Made Gesture

à la Kitchen Gallery, New-York, commissaire : Debra Singer. qui a eu lieu du 13 novembre 2009 au 16 janvier 2010. Une exposition de peintures récentes, sur le traitement de surface, l'échantillonnage et leur traitement historique revisité (on revisite le pop et l'art des années 70 ici, loin de notre sempiternelle modernité, modernisme, etc). Mais la peinture joue aussi des glissements de médium, de surface comme supports glissants, transitoires et donc questions ici d'écrans.

Avec les artistes : Richard Aldrich, Polly Apfelbaum, Kerstin Braetsch, Ana Cardoso, Jessica Dickinson, Cheryl Donegan, Keltie Ferris, Wade Guyton, Jaya Howey, Alex Hubbard, Jacqueline Humphries, Jacob Kassay, Jutta Koether, Nate Lowman, Seth Price, R.H. Quaytman, Blake Rayne, Davis Rhodes, Cheyney Thompson, Patricia Treib, Charline von Heyl, Kelley Walker

The mass ornament à Gladstone Gallery

Une exposition de John Rasmussen avec les oeuvres de : Patricia Esquivias, Matias Faldbakken, Jay Heikes, Patrick Hill, Lisa Lapinski, Nick Mauss, Michaela Meise, Silke Otto-Knapp, Maha Saab, Gedi Sibony, Alina Szapocznikow, Ned Vena, John Williams and David Zink Yi. Selon le CP : des oeuvres qui déjouent la spécificité du medium (avec de la peinture sculpture photo vidéo) par des jeux de surfaces, tiens tiens ...

The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 to Today

au MOMA, New-York du 1er aout au 1 er novembre 2010

Une exposition organisée par Roxana Marcoci sur la relation entre photo et sculpture avec les sculptures trouvées dans la rue par Atget ou Brassai, la mise en scène de la sculpture par Rodin et Brancusi, la copie originale de Duchamp élaborant des reproductions portatives de ses oeuvres, le mélange entre animé et inanimé confondus en photo ... Riche et hyper galvanisant je suppose , avec des oeuvres de Eugène Atget, Hans Bellmer, Herbert Bayer, Constantin Brancusi, Brassaï, Manuel Alvarez Bravo, Claude Cahun, Marcel Duchamp, Fischli & Weiss, Robert Frank, Lee Friedlander, Robert Gober, David Goldblatt, Rachel Harrison, Hannah Höch, André Kertész, Man Ray, Bruce Nauman, Charles Nègre, Gillian Wearing, Hannah Wilke, et Iwao Yamawaki, etc ...

L'expo sera présentée du 25/02/2011 au 15/052011 au Kunsthaus de Zürich

False / Divide : representations of abstraction in a few photographic works

à la Galerie Miguel Abreu cet été avec des oeuvres de Matthew Buckingham, Moyra Davey, Liz Deschenes, Zoe Leonard, Sam Lewitt, Eileen Quinlan. Le sujet qui me passionne ces temps ci ...

Your history is not our history, à Haunch of Venison, New York

du 5 mars au 1er mai organisée par les artistes David Salle & Richard Phillips. Une expo qui mèle peintres figuratifs des années 80 hommes (Schnabel, Clemente, Fischl, Basquiat, Winters et Dunham) avec des photographes femmes (Lawler, Levine, Sherman, Simmons, Holzer et Kruger) ils réunissent des contemporains alors opposés (peinture commerciales / art critique) ou associés sous l'étiquette de post-modernes appropriationnistes pour y valoriser un rapport profond à la solitude !? Mystérieux mais intriguant, une façon de réunir hommes et femmes alors séparés ? Une réappropriation par les artistes de leur jeu dans l'histoire ?

Avec des oeuvres de Donald Baechler, Jean-Michel Basquiat, Ross Bleckner, Francesco Clemente, Carroll Dunham, Eric Fischl, RobertGober, Jeff Koons, Barbara Kruger, Louise Lawler, Sherrie Levine, Malcolm Morley, Richard Prince, David Salle, Julian Schnabel, Cindy Sherman, Laurie Simmons, Phillip Taaffe, Terry Winters and Christopher Wool.

Transfer: Pictures in a Remix Culture

à la HENRY ART GALLERY, new York, d'octobre 2010 à janvier 2011

Organisée ^par Sara Krajewski

Mis en jeu du rapport à l'appropriation, récupération, recontextualisation et manipulation de l'imaginaire photographique... Avec des oeuvres de Sean Dack, Karl Haendel, Jordan Kantor, Matt Keegan, Carter Mull, Lisa Oppenheim, Marlo Pascual, Amanda Ross-Ho, Sara VanDerBeek, Siebren Versteeg, Erika Vogt, Kelley Walker

They Have Not the Art to Argue with Pictures

à la Galerie Cherry & Martin à Los Angeles cet été.

Le titre est tiré d'une citation de Mc Luhan parlant du rapport de l'image publicitaire avec l'inconscient de son spectateur, donnée prise en compte par les artistes présenté(e)s dans l'expo, principalement autour du travail de collages photo de Robert Heinecken (entre 1969 et 1999) et d'artistes contemporains plus jeunes : Erik Frydenborg, Nicolás Guagnini, Wade Guyton, Leigh Ledare, Amanda Ross-Ho, Collier Schorr.

Picture Industry (Goodbye to All That)

A Regen Projects, Los Angeles, cet été 2010

Organisée par Walead Beshty

Avec les oeuvres de Tauba Auerbach,,Thomas Barrow, Carol Bove, Troy Brauntuch, Tony Conrad, Abraham Cruzvillegas, De Rijke/De Rooij, Liz Deschenes, Isa Genzken, Wade Guyton, Robert Heinecken, Charline Von Heyl, Karen Kilimnik, Imi Knoebel, Michael Krebber, Glenn Ligon, Erlea Maneros-Zabala, Albert Oehlen, Manfred Pernice, Seth Price, Richard Prince, Josephine Pryde, R.H. Quaytman, Eileen Quinlan, Miljohn Ruperto, Cosey Fanni Tutti, Kelley Walker, James Welling, Christopher Williams, Christopher Wool.

Best of 2010 : Les Expositions

2011-01-07T15:18:00.030+01:00

Commençons par l'exposition de l'année pour moi : Voyage dans ma tête, la collection de coiffes d’Antoine de Galbert à la Maison Rouge, Paris. Une sidération totale cette expo ! Mille idées au centimètre carré, un superbe display, une mine de formes comme on en voit très peu ... Inoubliable !

La fabrique des images, au Musée du Quai Branly, organisée par Philippe Descola
Pour le titre, pour le coté pédagogique et comparé, critique même, confrontant divers zones culturelles et divers rapports à la figuration et à l'abstraction, analogies et ressemblances etc ... En plus, ue expo dotée d'une belle signalétique et d'un mobilier dessiné élégant et malin. Si on était vraiment dans la mondialisation et le post-moderne ce genre d'expo serait banale, pour l'instant c'est un événement précieux et essentiel.

Lamarche / Ovize, Fonction du regard à Leroy Merlin
Une belle surprise, je découvre ce magasin derrière Bétonsalon qui organise l'expo : un immense hall vitré, finement occupé par le couple dessinateur-sculpteur. On glisse d'une échelle à l'autre d'un détail de l'architecture à un détail d'un dessin, on tourne on bifurque, on prend un escalator, on voit du dessus, on découvre d'autres surprises, on se réjouit. Belle idée que ces ballots de papier recyclé, utilisés comme balise, socles et cimaises et arrière-plans, encadrements même. La mise en scène et la théatralité de l'accrochage aident à se pencher sur les oeuvres, à les scruter, comme un bonus qui se révèlent être le centre alors que bien sur ce n'était pas facile de dépasser l'anecdote dans ce contexte. Un défi spatial relevé haut la main dans ce temple de nos appartments contemporains.

Guillaume Pinard, Tomate, à la Galerie Anne Barrault
Humour, tendresse, compassion et joie de la couleur, des formes et de la figure dans toute choses. La trace d'une esthétique trash du GIF et Myspace, presque déjà passée, traduite en dessin et peinture, la vraie tradition du surréalisme et du pop ...

Nathan Hylden à Art:Concept, Paris
Déploiment de l'acte de peindre dans l'espace (de déployer du pigment dans l'espace), sobre, simple mais riche et électrique et super pédagogique : il joue avec les angles des murs, la lumière des néons, les dénivelés des cimaises, la perspective de l'espace, tout cela DANS les oeuvres même !!! Tension érotique du jeu entre centre et périphérie, attention et distraction.

Anthony Caro, Upright sculptures, à la Galerie Daniel Templon
Sculptures debout en métaux divers et bois : à ma surprise j'adore, c'est joueur, malicieux, humoristique, fort, riche en idées et gestes ouvrant des formes, à partir d'un montage d'objets et d'éléments trouvés auxquels s'ajoutent jeux de patines, teintes,, textures, plis, échelles, devant/derrière, vides et glissements : un vrai traité d'érotisme plastique.

Les rencontres d'Arles, promenade avec la fondation LUMA
Pas tant une expo géniale (chaque artiste dans son périmètre comme une suite de mini monographies) que l'occasion de voir des artistes majeurs et essentiels de la photo actuelle peu visibles sur Paris ou en France, découverts via les magazines et internet ou qq rares expos: Roe Etheridge, Ellad Lassry, Trisha donelly, Liz Deschenes, Annette Kelm, Anne Collier

et il faudrait mentionner Paul Klee découvert en détail à l'Orangerie et creusé par les livres, internet et une visite au Paul Klee Zentrum à Berne cet hiver, la révélation et le choc pour toujours !